引言
2019年国家艺术基金作为中国文化艺术领域的重要资助平台，为舞剧剧本创作提供了宝贵的资金支持和发展机遇。然而，在实际创作过程中，舞剧剧本创作者往往面临着多重现实困境，同时还需要在艺术创新上寻求突破。本文将深入探讨如何在获得国家艺术基金资助的背景下，有效突破这些困境，并实现艺术创新的跨越式发展。
舞剧作为一种高度依赖视觉语言和肢体表达的艺术形式，其剧本创作具有独特的挑战性。与传统话剧或影视剧本不同，舞剧剧本需要将抽象的情感和复杂的故事转化为具体的舞蹈语汇，这要求创作者不仅要具备扎实的文学功底，还要深刻理解舞蹈艺术的本质特征。2019年国家艺术基金的资助为这些创作提供了重要的物质保障，但如何最大化利用这些资源，实现艺术价值的最大化，仍然是一个值得深入探讨的课题。
现实困境分析
资金使用效率与创作周期的矛盾
在2019年国家艺术基金资助框架下，舞剧剧本创作面临的首要现实困境是资金使用效率与创作周期的矛盾。国家艺术基金的资助通常有明确的时间限制和使用规范，而舞剧剧本创作本身却是一个需要反复打磨、不断完善的长期过程。这种时间上的错位往往导致创作者在资金使用上陷入两难：要么为了赶进度而牺牲创作质量，要么为了保证质量而面临资金使用不合规的风险。
具体而言，许多创作者在获得资助后，发现实际创作周期远超预期。例如，一部反映当代都市生活的舞剧剧本，从最初构思到最终定稿，可能需要经历田野调查、人物访谈、剧本初稿、编舞磨合、试演修改等多个环节，整个过程往往需要1-2年时间。然而，国家艺术基金的资助周期通常较短，这使得创作者必须在有限时间内完成高质量的创作，压力巨大。
艺术创新与市场接受度的平衡难题
第二个现实困境是艺术创新与市场接受度之间的平衡难题。国家艺术基金鼓励艺术创新，但同时也要求作品具有一定的社会影响力和市场潜力。对于舞剧剧本创作而言，这意味着创作者既要大胆突破传统叙事模式和舞蹈语汇，又要确保作品能够被广大观众理解和接受。
这种平衡的难度在于，过于前卫的创新可能导致作品曲高和寡，而过于迎合市场又可能丧失艺术价值。例如，一些创作者尝试将现代舞与传统戏曲元素融合，这种创新虽然具有很高的艺术价值，但普通观众可能难以接受，导致作品在实际演出中反响平平。反之，一些过于保守的创作虽然市场接受度高，却难以获得艺术基金评审专家的认可。
人才梯队与创作资源的匹配问题
第三个现实困境是人才梯队与创作资源的匹配问题。2019年国家艺术基金资助的舞剧剧本项目，往往需要组建一个完整的创作团队，包括编剧、编舞、音乐设计、舞美设计等。然而，现实中优秀舞剧创作人才稀缺，特别是既懂剧本创作又懂舞蹈语言的复合型人才更是凤毛麟角。
这种人才短缺导致许多项目在获得资助后，难以找到合适的合作伙伴，或者不得不降低团队标准。例如，某省级歌舞团在获得国家艺术基金资助后，由于缺乏优秀的编舞人才，只能邀请外地专家临时参与，这不仅增加了沟通成本，也影响了创作的连贯性和整体性。此外，一些年轻创作者虽然具有创新思维，但缺乏实际舞台经验，难以将剧本构想转化为可行的舞台呈现方案。
艺术创新路径
跨界融合：打破艺术门类壁垒
要突破上述现实困境，实现艺术创新，首先需要大胆尝试跨界融合，打破传统艺术门类的壁垒。2019年国家艺术基金资助的舞剧剧本创作，可以充分利用这一政策优势，积极探索舞蹈与其他艺术形式的结合点。
具体而言，创作者可以尝试将现代舞与传统戏曲、民族舞、流行文化等元素进行有机融合。例如，上海歌舞团创作的《永不消逝的电波》就是一次成功的跨界尝试。该剧将谍战叙事与舞蹈语言完美结合，通过现代舞的肢体张力表现革命者的内心世界，同时融入了上海评弹的音乐元素，既保持了艺术创新性，又增强了观众的接受度。这种融合不是简单的拼接，而是通过深入研究不同艺术形式的本质特征，找到它们之间的内在联系，从而创造出全新的艺术表达方式。
在具体操作层面，创作者可以采用以下策略：首先，进行跨艺术门类的学习和研究，例如参加戏曲工作坊、现代舞大师班等；其次，邀请不同领域的艺术家参与创作，形成多元化的创作团队；最后，在剧本创作阶段就充分考虑不同艺术元素的融合可能性，而不是在后期简单叠加。
技术赋能：数字化创作与虚拟现实应用
第二个创新路径是技术赋能，特别是数字化创作工具和虚拟现实技术的应用。2019年国家艺术基金明确支持艺术与科技的融合，这为舞剧剧本创作提供了新的可能性。
数字化创作工具可以大大提高剧本创作的效率和质量。例如，使用专业的剧本写作软件（如Final Draft、Celtx等）可以帮助创作者更好地组织叙事结构和人物关系；使用3D动画软件（如Blender、Maya等）可以在创作早期就可视化舞蹈场景，帮助编舞和导演更好地理解剧本意图；使用音乐制作软件（如Logic Pro、Ableton Live等）可以提前制作音乐小样，为剧本创作提供节奏和情感参考。
虚拟现实（VR）技术的应用则更为前沿。创作者可以利用VR技术进行沉浸式的剧本构思和场景设计。例如，在创作一部关于古代宫廷的舞剧时，可以通过VR技术”走进”虚拟的宫殿环境，感受空间布局和氛围，从而更准确地设计舞蹈动作和舞台调度。一些先进的创作团队已经开始尝试使用VR技术进行”虚拟排练”，在实际投入排练前就发现并解决潜在问题，大大降低了创作风险。
叙事革新：非线性叙事与多视角表达
第三个创新路径是叙事结构的革新。传统舞剧往往采用线性叙事模式，而2019年国家艺术基金资助的项目可以大胆尝试非线性叙事和多视角表达，为观众带来全新的观剧体验。
非线性叙事可以通过时间碎片化、空间跳跃等方式，打破传统戏剧的时空限制。例如，可以采用倒叙、插叙、平行叙事等手法，将不同时空的故事线索交织在一起。北京现代舞团创作的《三更雨·愿》就采用了这种叙事方式，通过五个独立的梦境片段，展现了主人公内心世界的复杂性，每个片段在时间和空间上都是跳跃的，但情感线索却紧密相连。
多视角表达则是通过不同角色的视角来呈现同一事件，让观众获得更全面的理解。这种手法在舞剧中可以通过”角色分身”的方式实现，即同一个角色由多个舞者扮演，分别代表其不同的心理状态或社会身份。例如，在表现一个家庭矛盾时，可以让三位舞者同时扮演”妻子”这一角色，一位表现其社会形象，一位表现其内心挣扎，一位表现其潜在欲望，通过三者之间的互动，展现人物的复杂性。
实际案例分析
案例一：《永不消逝的电波》——主旋律舞剧的创新表达
《永不消逝的电波》是2019年国家艺术基金资助的优秀舞剧项目之一，该剧在突破现实困境与实现艺术创新方面提供了宝贵经验。
在资金使用方面，该剧制作团队采取了”分阶段投入、滚动式发展”的策略。他们将整个创作周期分为剧本孵化、编舞设计、音乐制作、舞美合成四个阶段，每个阶段都有明确的预算和时间节点。这种模式既保证了资金使用的合规性，又为创作质量提供了保障。例如，在剧本孵化阶段，团队投入了30%的预算进行长达半年的剧本打磨，期间进行了三次大规模的剧本论证会，邀请了党史专家、舞蹈专家、观众代表等多方参与，确保剧本基础扎实。
在艺术创新方面，该剧最大的突破在于将谍战题材与舞蹈语言完美结合。传统谍战剧依赖对话和情节推进，而舞剧必须通过肢体语言来表现。创作团队通过深入研究史料，将摩斯电码、情报传递等谍战元素转化为独特的舞蹈语汇。例如，他们设计了一段”电波舞”，舞者通过手臂的特定节奏摆动来模拟摩斯电码，既准确传达了情报传递的紧张感，又具有很强的视觉冲击力。这种创新不仅获得了专家认可，也赢得了年轻观众的喜爱。
在市场推广方面，该剧采用了”精准定位、分众传播”的策略。他们将目标观众细分为年轻观众、舞蹈爱好者、主旋律作品受众三个群体，针对不同群体制定了不同的宣传策略。对年轻观众，强调其”谍战+舞蹈”的新颖形式；对舞蹈爱好者，突出其专业的舞蹈编排；对主旋律作品受众，强调其历史真实性。这种精准营销使得该剧在获得艺术基金资助后，不仅完成了艺术创作，还实现了良好的市场回报。
案例二：《敦煌·飞天》——传统文化的当代转化
《敦煌·飞天》是另一部获得2019年国家艺术基金资助的舞剧，它在传统文化创新转化方面做出了有益探索。
面对人才短缺的困境，该剧创作团队采取了”内外结合、优势互补”的人才策略。内部，他们依托本团演员进行基础创作；外部，他们邀请了北京舞蹈学院的专家、敦煌研究院的学者、现代舞编导等组成顾问团队。这种模式既解决了人才不足的问题，又保证了创作的专业性。例如，在剧本创作阶段，敦煌研究院的学者为团队详细讲解了壁画中的舞蹈形象和历史背景，确保了文化内涵的准确性；而现代舞编导则帮助将这些传统元素转化为当代观众能够理解的舞蹈语言。
在艺术创新方面，该剧最大的亮点是”数字敦煌”与舞台艺术的结合。创作团队利用敦煌研究院的数字化成果，将部分壁画场景通过投影技术呈现在舞台上，舞者在这些虚拟场景中舞蹈，实现了历史与现实的对话。同时，他们还尝试了”实时动作捕捉”技术，将舞者的动作数据实时转化为壁画风格的视觉效果，创造出”人画合一”的奇妙观感。这种技术赋能的创新，不仅提升了作品的艺术感染力，也符合国家艺术基金支持艺术与科技融合的政策导向。
在剧本结构上，该剧打破了传统舞剧的线性叙事，采用了”散点透视”的结构。全剧由七个独立的”飞天”形象片段组成，每个片段表现一种不同的飞天姿态和精神内涵，片段之间没有情节关联，但通过统一的音乐主题和视觉风格形成整体。这种结构看似松散，实则通过情感逻辑紧密相连，给观众留下了丰富的想象空间。这种叙事创新既降低了剧本创作的难度，又增强了作品的艺术深度。
实施策略建议
前期准备：精准定位与资源整合
基于上述分析和案例，对于2019年国家艺术基金资助的舞剧剧本创作，建议采取以下实施策略：
首先，在项目申报阶段就要进行精准定位。创作者需要明确自己的核心优势是什么，是传统文化资源、现代创新理念，还是独特的叙事角度。例如，如果创作者来自少数民族地区，可以重点挖掘民族舞蹈资源；如果创作者有现代舞背景，可以突出创新表达。精准定位有助于在申报时就明确创作方向，也为后续的资源整合奠定基础。
资源整合是突破现实困境的关键。建议创作者建立”创作资源库”，包括：人才资源（各类艺术家联系方式）、技术资源（数字化工具、VR设备等）、场地资源（排练厅、剧场等）、信息资源（艺术基金政策、行业动态等）。2019年国家艺术基金资助项目可以充分利用政策优势，与高校、科研院所、科技企业等建立合作关系，实现资源共享。
创作过程：模块化管理与迭代式开发
在实际创作过程中，建议采用模块化管理和迭代式开发的方法。模块化管理就是将整个剧本创作分解为若干个相对独立的模块，如人物塑造模块、情节设计模块、舞蹈语汇模块、音乐配合模块等。每个模块都有明确的目标和评估标准，可以独立进行优化调整。这种模式特别适合国家艺术基金的时间要求，即使某个模块需要延期，也不会影响整体进度。
迭代式开发则是指不追求一次性完美，而是通过”创作-反馈-修改”的循环不断优化。例如，可以先完成剧本初稿，然后邀请小范围观众进行”剧本朗读会”，收集反馈意见；再根据反馈进行修改，然后进行”工作坊展示”，邀请专家和观众观看片段表演，再次收集意见。这种模式虽然前期投入时间较多，但可以大大降低后期修改成本，提高作品质量。
后期推广：品牌塑造与持续运营
获得国家艺术基金资助只是开始，作品的成功还需要有效的后期推广。建议创作者在剧本创作阶段就考虑推广策略，而不是等到作品完成后才开始。
品牌塑造是关键。每部舞剧都应该有自己独特的品牌标识，包括视觉符号、核心概念、情感基调等。例如，《永不消逝的电波》的品牌标识是”红色电波”，《敦煌·飞天》的品牌标识是”数字飞天”。这些标识要在剧本创作阶段就确立，并贯穿到后续的编舞、音乐、舞美等各个环节。
持续运营则是指作品的长期价值开发。一部成功的舞剧剧本不应该只演出几次就结束，而应该形成持续的IP价值。例如，可以开发剧本的衍生产品，如剧本集、创作纪录片、教学视频等；可以将剧本授权给其他演出团体；可以基于剧本开发旅游驻场演出、沉浸式演出等新形态。这种持续运营不仅能延长作品生命周期，也能为创作者带来持续收益，从而更好地投入新的创作。
结论
2019年国家艺术基金资助的舞剧剧本创作，既面临着资金使用效率、艺术创新与市场平衡、人才资源匹配等现实困境，也拥有着跨界融合、技术赋能、叙事革新等艺术创新的巨大空间。通过精准定位、资源整合、模块化管理、迭代式开发、品牌塑造和持续运营等策略，创作者完全可以突破现实困境，实现艺术创新的跨越式发展。
关键在于，创作者要充分理解国家艺术基金的政策导向，将其资助视为创作的”催化剂”而非”万能药”。在获得资金支持的同时，更要注重自身创作能力的提升、创作资源的整合和创作模式的创新。只有这样，才能真正发挥国家艺术基金的扶持作用，创作出既有艺术价值又有市场生命力的优秀舞剧作品，为中国舞蹈艺术的繁荣发展贡献力量。
舞剧剧本创作是一项系统工程，需要创作者具备宏观的战略眼光和微观的执行能力。在2019年国家艺术基金的支持下，只要我们能够正视现实困境，勇敢探索创新路径，就一定能够创作出无愧于时代的优秀作品，推动中国舞剧艺术走向新的高度。